“Art(e)Attualità”. Luce e Forza, una spiritualità contemporanea dell’arte
di Alessandra Montesanto
“Luce e Forza. Arte e spiritualità nel nuovo millennio” è aperta al pubblico fino al 13 novembre al Museo d’Arte latinoamericana di Buenos Aires (MalBA); si tratta di una mostra dedicata all’omonimo sindacato dei lavoratori dell’energia elettrica che riunisce opere degli ultimi vent’anni attraverso le quali gli artisti esplorano il terreno della spiritualità contemporanea, quando l’arte è ormai da tempo indipendente dalle istituzioni religiose.
Già nel 1911, Wassily Kandinky opponeva “il canto rude del materialismo” alla “notte spirituale”: Lara Marmor , curatrice della mostra, ha scelto però di affrontarla da una prospettiva più vicina nel tempo e nello spazio a partire da una domanda ambigua e complessa che il suo testo curatoriale pone: “In che modo la sovrapposizione di credenze, pratiche e conoscenze spesso ancestrali che compongono quella cosa così sfuggente che potremmo chiamare spiritualità contemporanea ci incide e ci costituisce?” Marmor ha riunito un gruppo di artisti nati tra gli anni ’70 e la fine degli anni ’80, una generazione entrata in scena negli anni 2000, la cui infanzia “si svolge nel passaggio dalla dittatura al fervore della primavera alfonsinista. Figli della libertà, canticchiano “Part of the Religion” e ascoltano Babasónico (il cui nome deriva dall’aver mescolato, per caso, The Jetsons con il guru indù Sai Baba ). In Luz y Fuerza convivono elettricità e bioenergetica, medicina allopatica e medicine complementari o alternative, tra gli altri “sintomi di fenomeni più profondi o semplicemente parte di una costellazione che ci circonda…, il tofu guadagna terreno sulla bistecca di chorizo, e lo yoga compete con la ginnastica localizzata. Nelle liste dei best-seller , i libri di autoaiuto condividono lo spazio con le enciclopedie dei funghi e le guide astrologiche più sofisticate”, afferma la Marmor. Agli antipodi, i discorsi scientifici offrono un panorama di poche e fatali certezze.
In questo contesto, le opere in mostra si aprono alla sperimentazione, rompendo “i binomi uomo/natura, razionalità/spiritualità, mente/corpo e, basandosi sull’umorismo, sull’ironia o sulla più profonda ricerca spirituale, si rendono conto che energia e forza trasformativa sono fondamentali in questi momenti di cambiamento”, dice.
Ai piedi delle scale si eleva l’alto soffitto della prima sala interrata del museo, che funge da introduzione. Sono appese sei sculture della serie Ave Miseria (2016) che Carlos Herrera realizza con piume, fieno, vestiti e tessuti vari combinati con oggetti personali e trovati. Si tratta di pezzi che l’artista ricompone ad ogni performance, che a volte fungono da cornice per le sue performance che rivelano un problema tra fede, corpo e sessualità.
Qui si confrontano con altre e molto diverse idee sulla fede, come la serie Towards the Land I Will Show You (2018), di Ana Vogelfang , un gruppo di ritratti dipinti su paia di scarpe e abbinati alla pelle. L’artista dice che, secondo la tradizione ebraica, se qualcuno sogna che un morto viene a prendergli le scarpe, significa che la morte presto prenderà il dormiente. “Ecco perché le scarpe dei morti non dovrebbero essere usate”, dice Vogelfang e sostiene anche che questi lavori parlano di come certi oggetti abbiano un’anima o assumano una vita propria.
Sulla parete di fondo, Belén Romero Gunset presenta i dipinti da lei realizzati “come piattaforma visiva per diffondere il Metodo S1, costruito sulla base di alcune idee provenienti da Baruch Spinoza ”. Il metodo punta a conquistare la gioia e le indicazioni sono organizzate in base alla geometria e al colore, accompagnate da emoticon che possono essere intese come simboli pagani.
Nella stessa stanza, una scatola di pelle nera lascia un lato aperto per entrare e sedersi a leggere all’interno, dove due scaffali offrono libri sulle cui copertine sono scritti i titoli famosi della filosofia francese del XX secolo, coprendo una collezione di volumi di auto-aiuto. L’opera, Heavy Mental: Apocryphal Library (remastered) (2005-2023), mescola due universi presentati come opposti: “L’heavy metal è una sottocultura marginale, ma allo stesso tempo massiccia e popolare. Anche la filosofia ha questa dualità: da un lato è pensiero elevato; d’altra parte, un filosofo è qualcuno marginale all’interno della cultura occidentale. In entrambi i casi possiamo trovare segni di identità e di appartenenza”, afferma l’artista Gastón Pérsico .
In uno spazio angusto delimitato da pareti nere, viene proiettato Diario (2010) di Nicolás Mastracchio , che incanala gli alti e bassi emotivi della sua crisi personale in un momento in cui “aveva iniziato a studiare formalmente l’astrologia”. Nel video cerca aiuto o condivide questa esperienza personale con molto umorismo e crudezza, cercando empatia nel pubblico. Poco prima di passare al resto delle sale ci si imbatte in Creatures (2023) del duo Bernardo Zabalaga e Lucía Reissig, opera che può essere portata al guinzaglio per accompagnare il tour. “Sono una via di mezzo tra un animale domestico e un oggetto di attaccamento”, definisce Marmor, “un luogo dove stare e riposare. Sculture viventi con anima, chiamata a sperimentare il senso della famiglia, della convivenza e della reciproca educazione; essere accuditi e prendersi cura di sé attraverso uno scambio che trascende le dicotomie soggetto/oggetto, sé/altro”.
La ricerca della curatrice l’ha portata a studiare il progetto della villa giapponese e come in quella tradizione ha organizzato l’esposizione come la sequenza delle stanze, il rapporto tra gli spazi interni ed esterni, il colore della parete, che è un tono neutro, “non un bianco.” stridente né un grigio.”Dopo l’introduzione o preludio, la mostra si svolge in quattro sale consecutive con alcune finestre rivolte verso l’esterno e dove le opere non sono organizzate secondo una gerarchia, ma piuttosto attorno “a una tensione tra il vuoto di una parete mentre quello sullo sfondo, c’è un altro lavoro più eterogeneo; una cadenza in cui circoli e incontri situazioni diverse.
Nella prima sala si può osservare una serie di disegni che Eduardo Navarro ha realizzato basandosi sul suono del proprio cuore mentre passeggiava per New York, (Body 2023). Riguardo a quest’opera l’artista ritiene che “ogni suono contiene un’immagine, il corpo è come un disco su cui è registrata un’informazione sonora che, anche se non la si sente, è lì, in attesa di riverberare e di liberarsi come un’eco interiore”. .” . Nel suo lavoro, Navarro è solita “investigare le modalità di comunicazione con i fenomeni naturali, esplorando il limite incerto che ci definisce come esseri umani”, riassume la curatrice.
Martín Legón presenta due spot pubblicitari originali della serie Deeply Artificial Trees (2016), in cui si osserva un intreccio tra l’industria farmaceutica e un riferimento all’arte come garanzia di benessere emotivo: l’Arte è o no una medicina, un farmaco (in senso greco) per l’anima e quindi anche per il corpo?
Bruno Dubner espone una serie di fotografie che registrano cognomi che si riferiscono all’ebraismo, esposte su targhe, vetrate e manifesti nei quartieri di Balvanera, Barrio Norte e Once a Buenos Aires. “Nel suo interesse per la qualità astratta dell’immagine, il linguaggio fotografico è attraversato da questioni di ordine spirituale”.
Al centro della stanza attigua, due gambe di manichino si aprono dall’inguine per unire le piante dei piedi, in una postura tipica delle lezioni di yoga, che dà il nome all’opera Vadaconasana (2010), di Diego Bianchi . . La parte superiore del “corpo” non è più riconosciuta come umana. L’artista “è solito gestire diverse variabili di tensione: controllo e non controllo alternativamente; l’esercizio spirituale e individuale…, la rigidità materiale del corpo del manichino e la plasticità corporea che lo yoga esige; attraversare il dolore per accedere al benessere”, afferma Marmor.
Alle pareti è appeso un ritratto di Marisa Rubio nel ruolo di Helena Líndelen , oltre a una selezione dei suoi mandala del 2012. Líndelen si è dedicata a insegnare la tecnica per realizzare questi disegni, che sono anche un supporto materiale per la meditazione. L’insegnante ha partecipato ad uno degli esercizi del metodo esposto nella Teoria del lavoro recitativo quotidiano per un performer che propone un tipo di performance davanti ad un pubblico che non ha consapevolezza di esserlo.
In un angolo tra due pareti adiacenti della stessa stanza, Paula Castro mostra Everything is fine, ok(2018), che avrebbe potuto anche intitolarsi “Benvenuta angoscia e ansia” –dice l’artista–. Il lavoro proviene dalla serie Black Marker Color Wheel , che utilizza diversi tipi di pennarelli per creare la propria tavolozza di neri. Nonostante “l’ottimismo alla fine abbia trionfato”, commenta il curatore, “anche se questo non significa che siamo meno vicini a comprendere questa emozione, molte volte come fenomeno disciplinare o come imperativo”.
Nello spazio adiacente, è possibile ammirare un grande dipinto di Nicolás Domínguez Nacif , realizzato tra il 2007 e il 2014, che è anche un’invocazione al sole della sua provincia natale, San Juan. Le opere di Ana Won , The Brides (2022) e Pronuncia su nombre a la noche (2023), sulla parete opposta, sono realizzate in stato di trance e “mescolano, come in un vortice, diverse materialità, linguaggi e tradizioni che cercano di evocare l’ignoto”, afferma la Marmor.
Nell’ultima delle sale della sequenza, Mariana Tellería espone otto opere Untitled (2012) della serie God Believes in Me , che descrive come collane pendenti. Riguardo a loro dichiara: “Tendo a realizzare operazioni geometriche proiettate su qualsiasi cosa, è un esercizio costante, a volte intuitivo e a volte di un razionalismo cartesiano in cui mi interessano più le battute che le verità”.
L’ultima delle pareti, variegata di opere, riunisce dipinti a grafite di Roberta Di Paolo e dipinti a collage di Daniel Leber che combinano iconografia e simboli di diverse tradizioni e, su un supporto basso, una serie di sculture di Laura Códega con bottiglie di liquore bevande. Tra questi la Fontana dei desideri (2012), un oggetto rituale riempito di vino e dal quale vengono chiesti desideri con la speranza che si avverino.
